lunes, 3 de septiembre de 2012


AbriendoIdeas Teorías


Voy a compartir hoy con ustedes la introducción del libro "De lo espiritual en el arte" de Wassily Kandinski, un gran artista que en sus inicios se vinculó al expresionismo y luego se convirtió en uno de los máximos referentes del arte abstracto. 

Este libro que recomiendo leer en su totalidad funciona como un manifiesto que respalda teóricamente su concepción del arte.


DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE



Cualquier creación artística es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, madre de nuestros propios sentimientos. Igualmente, cada periodo cultural produce un arte que le es propio y que no puede repetirse. Pretender revivir principios artísticos del pasado puede dar como resultado, en el mejor de los casos, obras de arte que sean como un niño muerto antes de nacer. Por ejemplo, es totalmente imposible sentir y vivir interiormente como lo hacían los antiguos griegos. Los intentos por re-actualizar los principios griegos de la escultura, únicamente darán como fruto formas semejantes a las griegas, pero la obra estará muerta eternamente. Una re-producción tal es igual a las imitaciones de un mono. 

A primera vista, los movimientos del mono son iguales a los del hombre. El mono puede sentarse sosteniendo un libro frente a sus ojos, dar vuelta a las páginas, ponerse  serio,  pero  el  sentido  de  estos  movimientos le es ajeno totalmente. 


Hay,  a  pesar  de  esto,  otra  igualdad  ex-terior  de  las  formas  artísticas  que  se  asienta en  una  gran  necesidad.  La  igualdad  de  la aspiración  espiritual  en  todo  el  medio  moral-espiritual,  la aspiración  hacia  metas  que, perseguidas  primero,  fueron  luego  olvidadas; es decir, la igualdad del sentir interno de todo un periodo puede llevar lógicamente al empleo de formas que en un periodo anterior sirvieron positivamente  a  las  mismas  aspiraciones.  Así nació  parte  de  nuestra  simpatía,  nuestra comprensión  y  nuestro  parentesco  espiritual con  los  primitivos.  Como  nosotros,  esos artistas  puros  buscaron  reflejar  en  sus  obras únicamente  lo  esencial:  la  renuncia  a  lo contingente apareció por sí sola. A pesar de su valor, este punto importante de unión espiritual no es más que un aspecto. 



Nuestro  espíritu,  que  después  de  una  larga etapa  materialista  se  halla  aún  en  los inicios  de  su  despertar,  posee  gérmenes  de desesperación,  carente  de  fe.  falto  de meta  y  de  sentido.  Pero  aún  no  ha terminado  completamente  la  pesadilla  de las  tendencias  materialistas  que  hicieron  de la  vida  en  el  mundo  un  penoso  y  absurdo juego. El espíritu que empieza a despertar se encuentra  todavía  bajo  el  influjo  de  esta pesadilla.  Sólo  una  débil  luz  aparece  como un  diminuto  punto  en  un  gran  círculo negro. Es únicamente un presentimiento que el  espíritu  no  se  arriesga  a  mirar,  pues  se pregunta  si  la  luz  es  sólo  un  sueño  y  el círculo negro la realidad. 

Esta  duda  y  los  sufrimientos  aún  válidos de  la  filosofía  materialista,  separan  nuestro espíritu del de los primitivos. Nuestro espíritu tiene  una  grieta,  que  cuando  se  logra  tocar, produce  el  sonido  de  un  fino  jarrón quebrado,  hallado  en  el  fondo  de  la  tierra. Por  eso,  la  inclinación  a  lo  primitivo,  como la  que  hoy  tenemos  abiertamente  tomada  en préstamo, será de corta vigencia. Estas  dos  clases  de  semejanzas  entre  el arte  nuevo  y  las  formas  de  etapas  pasadas, son  radicalmente  diferentes.  El  primero  es externo  y,  por  lo  tanto,  no  tiene  porvenir. El  segundo  es  espiritual  y  por  eso  lleva  en sí  la  semilla  del  futuro.  Tras  la  etapa  de la  tentación  materialista,  en  la  que  aparentemente  murió  y  que,  sin  embargo,  ahora rechaza  como  una  tentación  negativa,  el alma  se  levanta  afinada  por  la  lucha  y  el sufrimiento.  Los  sentimientos  más  burdos, como  el  miedo,  la  alegría,  la  tristeza,  etc., que  podrían  usarse  en  esta  etapa  de  tentación  como  contenido  del  arte,  atraerán poco  al  artista.  Este  buscará  despertar  sentimientos  más  sutiles  que  en  la  actualidad no  tienen  nombre.  El  artista  tiene  una  vida compleja,  sutil,  y  la  obra  surgida  de  él  originará  necesariamente,  en  el  público  capaz de  sentirlas,  emociones  tan  matizadas  que nuestras  palabras  no  las  podrán  manifestar. 


El  espectador  es  hoy  incapaz,  salvo  en excepciones,  de  tales  vibraciones.  Desea hallar en la obra de arte una simple imitación de  la naturaleza  que  le  sirva  para  algún  fin práctico (el retrato en su significado  corriente,  etc.),  o  una  imitación  de  la naturaleza  que  traiga  consigo  cierta  interpretación  (pintura  impresionista),  o  fi-nalmente,  estados  de  ánimo  disfrazados  de formas  naturales  (lo  que  se  llama  emo-ción)  (1).  Todas  estas  formas  de  ser auténticamente  artísticas,  cumplen  una  finalidad  y  son  (también  en  el  primer  caso) alimento  espiritual,  y  especialmente  en  el caso  tercero,  en  el  que  el  espectador  encuentra  una  relación  con  su  alma.  Naturalmente, tal relación (o resonancia) no se queda  en  la  superficie:  el  estado  de ánimo de la  obra  puede  profundizarse  y  modificar  el estado  de  ánimo  del  espectador.  En cualquier  caso,  estas  obras  evitan  que  el alma  se  envilezca  y  la  sostienen  en  un determinado  tono,  como  el  diapasón  con  las cuerdas  de  un  instrumento.  Sin  embargo,  la depuración y la extensión de este tono, en el tiempo  y  el  espacio,  son  unilaterales  y  no agotan  todo  el  efecto  posible  del  arte.  Una construcción  grande,  muy  grande,  chica  o mediana,  dividida  en  diversas  salas.  Las paredes de las salas llenas de cuadros chicos, grandes,  medianos. 


 A  veces  miles  de pinturas que reproducen por medio del color trozos  de  naturaleza:  animales  en  luz  y sombra,  tomando  agua,  junto  al  agua, echados  sobre  la  hierba;  a  su  lado,  una crucifixión  realizada  por  un  artista  que no cree  en  Cristo;  flores,  figuras  sentadas, caminando,  paradas,  a  veces  desnudas, muchas  mujeres  desnudas  (algunas  vistas  en perspectiva  desde  atrás);  manzanas  y bandejas  de  plata,  retrato  del  Consejero  N; anochecer; dama en rosa: platos volando;  retrato  de  la  baronesa  X;  gansos volando;  dama  de  blanco;  terneros  en  la sombra, con manchas de sol amarillas; retrato de su excelencia el Sr.; dama en verde. Todo esto  se  halla  impreso  en  un  libro;  los nombres  de  los  artistas,  los  nombres  de los  cuadros.  La  gente  tiene  estos  folletos  en la  mano  y  va  de  un  cuadro  a  otro,  busca  y lee los nombres. Luego se va, tan pobre o tan rica  como  entró,  y  se  deja  absorber inmediatamente  por  sus  preocupaciones,  que no  tienen  nada  que  ver  con  el  arte.  ¿Para qué  vinieron?  Cada  cuadro  guarda misteriosamente  toda  una  vida,  una  vida  con muchos  sufrimientos,  dudas,  horas  de entusiasmo  y  de  luz.  ¿Hacia  dónde  va  esta vida?  ¿Hacia  dónde  busca  el  alma  del artista, si también se entregó en la creación? ¿Qué anuncia? Iluminar  las  profundidades  del  corazón humano  es  la  misión  del  artista,  dice  Schu-mann.  El  artista  es  un  hombre  que  lo  sabe dibujar μ pintar todo, dice Tolstoi. 


De  estas  dos  definiciones  sobre  la  función  del  artista  elegimos  la  segunda, pensando  en  la  exposición  descrita  anteriormente;  con  mayor  o  menor  habilidad,  virtuosismo  y  energía,  surgen  en  el  cuadro objetos  relacionados  entre  sí  por  medio  de pintura,  más  tosca  o  más  fina.  Esta  armonización  del  todo  en  el  cuadro  es  el  medio que conduce a la obra de arte. Esta es mirada con  ojos  fríos  y  espíritu  indiferente.  Los expertos  admiran  la  factura  (así  como  se contempla  a  un  equilibrista),  gozan  la pintura  (como  se  goza  con  una  empanada). Las  almas  hambrientas  se  van  hambrientas. La  muchedumbre  camina  por  las  salas  y encuentra  las  pinturas  bonitas  o  grandiosas.  El  hombre  que  podría  decir  algo  no  ha dicho  nada,  y  el  que  podría  escuchar  no  ha oído nada. Este  estado  del  arte  se  llama  "l'art  pour l'art". La  eliminación  de  los  sonidos  internos, que  son  el  ser  de  los  colores,  la  dispersión de  las  fuerzas  del  artista  en  la  nada,  es  el arte por el arte. A  través  de  su  habilidad,  fuerza  inventiva  y  emotiva,  el  artista  desea  la  recompensa  material. Satisfacer  su  ambición  y su codicia se alza como su destino final. 


A  cambio  de  un  trabajo  profundo  y  so-lidario  entre  los  artistas,  aparece  la  lucha por  estos  fines  materiales.  Todos  se  lamentan  de  la  excesiva  competencia  y  la excesiva  producción.  Odio,  partidismo,  camarillas,  intrigas  y  celos  son  los  resultados  de  este  arte  materialista  al  que  se  ha robado  su  sentido  (2).   El  espectador  se aleja  tranquilamente  del  artista,  que  no  le encuentra  sentido  a  su  vida  en  el  arte  sin  fines,  sino  que  busca  objetivos  más  importantes. Comprender  es  formar  y  aproximar  al espectador  al  punto  de  vista  del  artista. 



Ya  dijimos  que  el  arte  es  hijo  de  su  tiempo.  Un  arte  así  sólo  puede  repetir  artís-ticamente  lo  que  está  reflejando  nítidamente la  atmósfera  del  momento.  Este  arte,  que no  guarda  ningún  germen  del  futuro,  que es sólo hijo de su tiempo y que nunca crecerá hasta ser engendrador de futuro, es un  arte  castrado.  Tiene  escasa  duración  y moralmente  muere  en  el  instante  en  que desaparece la atmósfera que lo ha originado. 

El  otro  arte,  capaz  de  evolucionar,  se basa también en su época espiritual, pero no sólo es eco y espejo de ella, sino que contiene una  energía  profética  vivificadora  que  actúa amplia  y  profundamente.  La  vida  espiritual, en  la  que  también  se  halla el arte  y  de  la  que el  arte  es  uno  de  sus  más  fuertes  agentes,  es un  movimiento  complejo  pero  determinado, traducible  a  términos  simples,  que  conduce hacia  adelante  y  hacia  arriba.  Este movimiento  es  el  del  conocimiento.  Puede adoptar  muchas  formas,  pero  en  el  fondo mantiene  siempre  un  sentido  interior idéntico, el mismo fin. 


Son  oscuras  las  razones  por  las  que  todo movimiento  progresivo  y  ascendente  debe realizarse  con  el  sudor  de  la  frente  con sufrimientos,  malos  momentos  y  penas. Cuando  se  ha  concluido  una  etapa  y  se  ha superado  otro  escollo  del  camino,  una mano  perversa  e  invisible  arroja  nuevas piedras  que  parecen  cerrar  y  borrar  por completo el camino por el que se andaba. Entonces  aparece  un  hombre  parecido en todo a nosotros, pero que tiene dentro de sí  una  fuerza  visionaria  y  misteriosa.  El observa  y  enseña.  Por  momentos  desea  liberarse de ese don superior que a menudo es una  pesada  cruz.  Pero  no  puede.  A  pesar de las  burlas  y  los  odios,  lleva  hacia  adelante  y hacia arriba el pesado y reacio carro  de  la  Humanidad  que  se  detiene  entre las piedras. En  algunas  ocasiones,  cuando  no  queda  ya nada  de  su  ser  físico  en  la  tierra,  se  usan todos  los  materiales  para  reproducirlo  ya  sea en  mármol,  hierro,  bronce  o  piedra.  Como  si representara  algo  el  cuerpo  de  estos servidores  del  hombre,  mártires  casi  divinos, que  despreciaron  lo  físico  y  sólo  valoraron  al espíritu. El recurso del mármol demuestra que una  gran  multitud  ha  llegado  finalmente  al lugar  que  en  su  día  ocupó  el  ahora homenajeado.


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